Médias audiovisuels, culture et société

dimanche, octobre 16, 2005

TV review : Battlestar Galactica, get your war off

Galactica again ? Oh my Dirk !
In the late seventies, George Lucas Star wars spawned off multiple wannabes, including the small screen series Galactica, aired between 1978 and 1979 on ABC. In 2003, the Sci-Fi cable channel launched a remake of this very campy show. On the blackboard, the pitch looks the same : home of the human race is wiped out by a robot army they created, called the Cylons. Along with a few civilian ships, the last battleship around, the Galactica, led by Commander Adama, flees toward a new home in the sun, a place called Earth. It may sounds familiar but once the show starts, it appears to be radically different. Many die hard Galactica fans expected a continuation, but this Mini, which serves as a take off for a whole series, is definitely something else.

A space drama
Whereas the original show may be regarded as a disco era, "Star wars turned into a campy series" hack, with straightforward characters, the brand new Battlestar Galactica (BSG) has the tone of a drama, sporting a fair share of intimate insights and camera close ups, within the scale of an epic journey. The original series felt much more like "heroic wankers in space", especially due to Dirk Benedict's looks and his Starbuck character's attitude. Now the body count, rising in the wake of the Cylon's attacks, along with some critical human decisions, really matters and lingers in the minds and actions of the characters and the viewers alike. In the mini series alone, a baby is killed on screen, the 12 human colonies are nuked, a military officier is forced to shoot a civilian, a group of defenseless Space fighters is massacred one by one by Cylon raiders... And the list goes on and on. Killing off a huge amount of people is usual in a lot of American shows and movies. But the odd stuff is that it mostly bears no consequences at all. In most of these programmes, death is surabondent , and totally absent at the same time. Nobody mourns no one in most of these "cold" products. And nobody mentions the dead afterwards. It appears as a convention and while its ok to kill people off the screen, the loss and the pain is considered like pornography material.

The 9/11 syndrome
The 9/11 allowed the USA to stand on this fictional routine. In the wake of the event, the government and the medias forbid to show the corpses of the dead. They forbid to rerun certain images, such as the people falling from the towers. They forbid a selection of songs over the radio, like Louis Armstrong's What a wonderful world, or John Lennon's Imagine, sung by Neil Young during an overtly reactionnary benefit concert a few days afterwards. After the censorship times came the "how to translate it into our programmes ? " times. And for better or for worse, this catastrophe really altered the way cinema and TV reflected the country. In this very context, it would have been very silly to reproduce the original Galactica inconsequent tone. But the real boldness of the new BSG is about the mourning and the loss. We actually see the corpses and the tears. We can see people ejected into space while in combat. We see bodies lying on the ground, a sacrified techie with blood all over his face and some dead officers with a military sheet during a mourning gathering. We see Commander Adama killing a Cylon much like Ray Ferrier kills Harlan Ogilvy in Spielberg's War of the worlds, another post 9/11 credited movie. In both cases, dirty and shocking, the heroic figure has blood on his hands. On a wider scale, the show departs from usual arrogant and conquering asserts. The main characters are forced to face the reality and to admit that "the war is over, weve lost, now we have to flee". This critical assert, serving as a base for the overall tone of the show, is truly opposite to what the US government is doing, say, on the Iraqi front.

BSG and the witch hunt : a politically biased show ?
BSG seems to show some Johnny Guitar way of critisizing Macarthysm renewal. It seems to adress The Patriot Act voted by President George Bush. For instance, the public relation man arrested for being a Cylon wears... a red jacket. Nonsense ? The Cylon femme fatale, Number six also wears a red dress. Red is a common colour "coda" associated with communism and treason. Though the Cold war is officially over, the show intents to underline the nowadays social climate of the United States. Clothes colours put aside, one of the great ideas put within the show is that we barely see a Cylon at all, yet their menacing presence is fantastically rendered. The trick is that it is indulged to us that the Cylon technology advanced to the point of producing human shaped agents, much like in Terminator, V or Screamers. Henceforth, theres no need to show the robots. Not showing the robots helps in different ways. First, we have to remember the silly look of the original ones. Redoing them in the exact same way would have been suicidal (theres a smart nod to the old ones in the first part of the mini). Creating this kind of creatures is always a big treat and the producers wanted to show new robots. We actually see them at the beginning of the mini. They are quite well done, computer generated ones. But i guess seeing them all the time would spoil the fun and make them ridiculous ennemies. The less you see, the more you thrive. We are told that the real threat is the human looking spy agents. And heres the beauty of the thing : while they dont have to spend money on CG animated robots, the producers introduce real, Macarthy era like paranoia within the show. Everyone can be a Cylon. Considering BSG has some of the most beautiful and smartest special effects around, it never appears as a "saving money" gesture, but as a thriller one. It gives terror, and it clearly deals with real terrorism. There are some clear given speeches and hints about the fact that Cylons were created by human civilisation. In my opinion, this ever menacing question about "whos what ?" deals much with the sleeping terrorist cells our real world is dealing with and the suspicious atmosphere raised by terrorists attacks. For his last zombie movie, George Romero said that he wanted to recreate this post 9/11 selfish tension and paranoia on screen. To the very bone of its narrative strings, BSG applied the Romero observation of the contemporary american landscape.

In a way, BSG outlouds something the USA felt ashamed of. The Cylons are depicted as created by man, and the guilt is an undercurrent feeling running the show all the way. And the dead are brought up on screen, as well as the resulting tears. Though i cant tell BSG creators are sworn democrats, its a fact Hollywood and entertainment medias are mainly balanced on this political side. Given the fact that BSG is broadcasted on a cable channel, with an increased freedom of speech, concealed within a genre people dont expect much in terms of social speech, the guess is up to you. Here are some comments made by Ron Moore on his blog http://blog.scifi.com/battlestar/. The main writer of the show, this is what he says about its politics :

"I want the show to provoke you into thinking about the times you live in and the choices that are being made all around you every day. In a time when the President of the United States actually asserts that he has the power to arrest without warrant and detain indefinitely without charge or appeal, any citizen (indeed any person on the face of the Earth) simply by designating them as an "illegal combatant," we should all be engaged in a vigorous and energetic debate about who we are as a people and as human beings and exactly how we do intend to respond to the very real threat posed to this nation and to the foundations of liberal democracy posed by people capable of, and willing to, fly airplanes into buildings."

Working girls
Another strong aspect of this total Galactica conversion is the male to female turned Starbuck and Boomer. Kara Thrace, callsign Starbuck, is played by actress Katee Sackhoff. As the fleet insubordinate sureshot its a standout woman character, along with Grace's Park existensialism approach with Boomer. More to the point is the political figure of Laura Roslin, played by Mary MacDonnell. A beautiful and classy aging actress known for a nice part in Dance with wolves, she died being the president's wife in the silly Independence day. Here she's abruptly promoted as the president of all the human survivors as all the officials separating her from the President are killed as well during the attacks. Hilary Clinton anyone ? As a woman, she must fight to be heard. In the mini, she manages to change Commander Adama's mind to go back for a revenge on the Cylons. From top to bottom of the social ladder, both Roslin and Starbuck assume roles traditionnaly given to male actors, and they both kick some asses.

Faces in spaces
Battlestar Galactica is a sad, pessimistic, low profile, sci fi programme. Its far away from the arrogance shown in the original show and the arrogance credited to the US policies and lifestyle. It is clearly said that "the war is over, weve lost". Speeding into uncharted space territoties isnt about conquering the country anymore. Its not the old western myth. Its about fleeing and surviving. BSG shows the human/american civilisation on the run. This surprisingly dramatic tone is helped by a stylish, somewhat Nouvelle Vague rooted inspiration (watch out for the "plan sequence" exposition of Starbuck and the ship's crew). The show is a coral one, like the past ER, The Shield and so on but doesnt feel forced into it. Its incredibly "fluide" and the balance between CG sequences and the more intimate ones is fantastic. On the visual side, the surprise comes from multiple aspects. The camera adopts the documentary style known in US series since at least New Yor Police Blues. That basically means the camera, its frame, is free to roam, to jump from one character to one another on the fly, embraces the subjective vision of a bystander, or even puts the viewer as a voyeur. An incredible amount of shots is framing human faces, with their visible scars, anguish, sweat and fear pouring from outstanding performances from the ensemble cast. All the human emotions are rendered in close ups. With the HD technology employed, giving blank colours from the locations, contrasted with the red and yellow ones of the skin, it gives an incredible drama-documentary feel, never thought to be found in a space opera. Commander Adama, played by Edward James Olmos from Blade Runner and Miami Vice fame, is the best television character ive ever seen. Katee Sackhoff's Starbuck is not far behind. Even the red babe played by model Tricia Helfer has a tremendous acting presence. What these people are giving to this show will certainly change acting standards in future Scifi shows, wathever shows, and movies alike.

Sci Fi smart
Aside from the dramatic, "fleeing from Egypt" tone, the show still delivers on the Scifi front. I mean, it knows its background. It takes good ideas from its numerous predecessors. Exemples ?The busy hangar facilities from Star wars, , alive with details and people running around fixing stuff. The military mixity from Paul Verhoeven's Starship Troopers. It even takes the strongest element from the mediocre Species, the alien under a drop dead gorgeous woman skin. And the list goes on. BSG seems to have learned from it all, just to leave the competition behind. The show even allows himself to be realistic during CG combat sequences. No overused orchestral music for instance. Moreover, an interesting work has been done with the engines and blasters sound. They are undertoned. We all know there is no sound in space, and that many space operas break this rule, boasting screaming and shrieking sounds for a dramatic effect. The perfect exemple is the roaring TIE sounds from Star wars. Here, there are sounds too, coming from engines and blasters. But it as a swallowed, semi realistic flavor. It points out that the combat sequences, wich are very strong indeed, are not necessarily the climaxes of the show. This treatment to the core action is artistically on par with the characters and narration driven sequences.

BSG all the way
One of the main rules about making a crowd pleasing show is to deliver a rich and bold pilot, to draw your "first" audience in. Then, the producers can go back to a lower budget and soften the mood if necessary, to appeal to a wider public. After seeing one of the first episodes taking place right after the mini, and reading countless enthousiastic reviews concerning the two existing seasons, it appears that this old technique was simply put to trash. BSG remains BSG all the way. Cable TV allows shows to go farer and farer. It gives more freedom for producers than the regular networks. Because the drama went so far with genres, and im thinking about Oz, Nip Tuck, The Shield, Six Feet Under, and because of whats torturing the country, BSG took the final bold step : they managed to create the space social drama genre.

Sylvain Thuret

samedi, octobre 15, 2005

DVD review : No direction home*

* This article was initially written for the forthcoming Paris Times November issue.

Second time around
No direction home is a BBC coproduced documentary on Bob Dylan's early years. Directed by Martin Scorsese, it was originally a two part program broadcasted at the end of september within the PBS American Masters Series slot. Now available on DVD, the french release is planned on the 4th November.

Following the long awaited Chronicles vol.1 autobiography in 2004, Bob Dylan once again departed from his reclusive attitude and unprecedently opened Martin Scorsese his archives and recent interviews to work with. Though the combination of such cultural key figures is a true wonder, the two of them already met before on film. In 1978, Dylan was featured live in The Last Waltz, a concert movie covering The Band's farewell to the musical scene. Furthermore, Scorsese recently produced The Blues miniseries, even directing one of the seven movies Feel like going home.

No direction home covers the critical 1961-66 period, matching Martin Scorsese's years as a student filmmaker, prior to the release of his first own street wise movie, Who's that knocking at my door. We are told how a juvenile Robert Zimmerman, out of his nowhere town of Hibbing Minnesota, reinvented himself as Bob Dylan and stormed the uprising Greenwich Village folk scene. All the mentor figures he worshipped and met are summoned : Woody Guthrie, Allen Ginsberg, Joan Baez, Johnny Cash, Pete Seeger, Fred Neil, Andy Warhol, D.A. Pennebaker... Some of them were still alive to testify when the first dedicated interviews began.

"Contempory ideas, traditional form"
Blowin in the wind, Like a rolling stone, A Hard rain's gonna fall... : as usual, Martin Scorsese, makes a great use of the great given music material to portray the origins, the meaning and the history making live interpretations of these songs. Here, the young poet is credited for having embraced and expressed the sociopolitical changes of his era, the Civil rights movement, the assassination of JFK, the Vietnam war, the demonstrations, the Beat generation, the drugs... And at the same time, we get to learn how individualist he was, how embarrassed he was to be quoted as the "Voice of his generation". As Martin Scorsese recalls, reading a Civil rights ceremony declaration the singer made in 63 : "There's no left and right to me anymore. There's only up and down. And I am tryin to go up without thinkin about (...) politics". Dylan was bold to the point of going electric, a gesture received as a betrayal from the folk crowd, with people calling him "traitor" or "Judas !" during his 66 English tour.

Essential viewing
A few stylistic exceptions aside, Martin Scorsese's approach doesn't show off with the subject. He delivers instead a solid documentary with an incredible care put into choosing and editing the material, comprising previously unseen documents like photographs, movie sketches, news footage, 40 years old articles, interviews, concert performances... It's four hours long, quite demanding, but very rewarding. With so much given context and care, his music truly demonstrates its inspirational power. Whether you are a Dylan addict, or simply interested in cinema or music, it's essential viewing.

Sylvain Thuret

lundi, septembre 12, 2005

Resident Evil 4 : L'hydre infernale

Attendu depuis des lustres, Resident Evil 4 (RE4) s'avère être un jeu capital pour qui s'intéresse au medium. Capcom s'est surpassé avec une réalisation et une débauche d'idées proprement renversante. Il faut dire que le créateur initial de la série, Shinji Mikami, est de retour aux manettes pour redonner du souffle à une saga qui commençait sérieusement à faire du surplace. Efficace et haletant, RE4 tient le joueur par la peau du pad et ne le lâche plus pendant une vingtaine d'heures. Pour la toute petite histoire, vous êtes Léon, rescapé de l'épisode 2 et vous devez sauver Germaine euh Ashley des griffes de méchants pas beaux. Pour cela, vous pourrez compter sur votre fidèle 9 mm. Voilà, le scénario s'arrête là, à peu de choses près. Si ce Resident Evil est avant tout un jeu d'action, il s'en acquitte avec panache. Nous allons essayer ici d'approcher la valeur symptomatique de cette déflagration vidéo ludique au regard de ce qui se passe actuellement dans le petit monde bouillonnant des jeux vidéo.

Take my breath away
Là où n'importe quel jeu moyen aligne péniblement quelques niveaux réguliers se terminant inévitablement par un jaw dropping would boss, le jeu de Capcom explose toutes les limites en proposant un ride continu shooté à l'adrénaline. C'est bien simple, le rythme ne redescend jamais et le jeu enchaîne séquence mémorable sur séquence mémorable ! A peine en avez-vous terminé avec un monstre dantesque que vous etes invité à vous coltiner une situation encore plus périlleuse ! Beaucoup plus orienté action que ses prédécesseurs cloîtrés, proposant une foultitude d'environnements ouverts, il travaille néanmoins les nerfs du joueur avec un souci de reformulation constante de l'éternel "pan t'es mort". Cet opus quitte le domaine de la peur littérale pour plonger le joueur dans un état de tension permanente, entretenue par une bande son travaillée et une volonté de proposer un challenge toujours plus soutenu. RE4 recherche constamment à renouveler l'intérêt, en proposant des situations de plus en plus échevelées. Ce jeu est un monstre, une hydre à plusieurs têtes qui se nourrit principalement de cinéma dans sa quête de redéfinition perpétuelle de la Scène Action. Et si le scénario est faible, Capcom arrive paradoxalement à entretenir l'intérêt du joueur via cette remise en question constante, sertie d'une enfilade de rebondissements, conscients de leur grossièreté mais diablement efficaces.

Du recyclage iconoclaste
Changer d'approche esthétique, c'est aussi changer l'histoire, la façon dont on la raconte. Et RE4 penche sérieusement vers un double mouvement iconoclaste :

- Envers le cinéma, de par sa façon à recycler compulsivement les célèbres stress scenes issues des grands films de série B&A. Capcom met ainsi à profit près de trente ans de cinéma d'action et de genre américain, en démultipliant et en faisant côtoyer des références aussi diverses que Spielberg (Jaws, Indiana Jones, Duel pour ne citer qu'eux), Cameron (Terminator), Kubrick (Eyes wide shut, Shining) et Carpenter (les Escape, Assaut, son remake officieux Nid de guêpes). On en vient à se demander où se situent les développeurs. Cherchent ils à coller au plus près du cinéma B ? Ou bien la citationnite aigue pratiquée tambour battant est-elle le signe manifeste d'une volonté d'en finir avec cette lourde parenté ? L'ambition affichée semble vouloir coller à cet esprit de série B, célébrée à tout va : scénario riquiqui, personnages archétypaux et figés, dialogues et ficelles grossiers, humour qui se montre conscient de ces ficelles etc. Cette intention est louable. Malheureusement, cette démarche est surtout le stigmate d'un manque plus général pénalisant l'évolution de cette jeune industrie.

- Envers lui même : dans cette boulimie référentielle accompagnant le renouvellement permanent de son propos, RE4 n'hésite pas à sacrifier son atmosphère initiale. Le village rural qui ouvre l'aventure, très apprécié par la communauté des joueurs, aurait pu être l'enjeu esthétique et narratif d'un jeu complet. Mais rapidement, le jeu délaisse ce premier topos, empruntant principalement au Texas chainsaw massacre de Tobe Hooper (le cadre rural, les couleurs ocres et pisseuses, la viande présente sous toutes ses formes, le son littéralement machinal accompagnant les phases d'action…) pour nous plonger dans un immense château de pierre, infesté de moines gothiques. Plus tard, ce château laissera place à un autre cadre, totalement différent. Dans la série des Final Fantasy de Square, le concept mis en avant repose sur le renouvellement, épisode après épisode, de la notion d'évasion et de fantasy, afin d'en repousser la représentation esthétique et picturale. Après plusieurs épisodes se ressemblant comme deux gouttes d'eau, Resident Evil 4 s'emballe tout d'un coup et semble intégrer ce désir de révolution en son sein même.

Splendeur et décadence
Ce double mouvement est à la fois la grande richesse du jeu mais aussi sa plus grande faiblesse. Ce que l'on gagne en diversité, on le perd en cohésion dramatique. Même si les transitions entre les différents lieux sont plutôt bien amenées, on se demande quand même pourquoi le naturalisme disparaît au profit d'une approche plus baroque. L'autre défaut majeur de ce jeu est soulevé par le test distancié et révélateur de Nofrag : en 2005, un jeu d'une telle maîtrise technique et esthétique continue à utiliser des ressorts narratifs et indiciels archaïques. Pour aider le joueur dans sa quête d'informations, les développeurs ont décidé de laisser traîner de ci de là des mémos aussi dirigistes qu'infantiles. Quant à la présence d'un marchand d'armes itinérant se promenant pépère au milieu de toute cette boucherie protéiforme, elle n'est absolument pas motivée. On pourrait continuer à pinailler sur ce genre de détails. Mais un tel paradoxe entre maîtrise technique et rythmique et une certaine absence de cohésion originale soulève une question fondamentale. Le jeu vidéo doit il, 30 ans après sa naissance, sortir de ses artifices originels pour proposer une narration crédible, voire réaliste, de bout en bout ?

C'est quand qu'on va où ?
Resident Evil 4 est à n'en pas douter un grand jeu, propre à vous coller sur votre siège pour de longues et trépidantes heures de plaisir. Mais si la technique est maîtrisée et l'expérience jouissive, on discutera encore de l'absence d'une histoire et de personnages solides. Un tel jeu montre à quel point l'industrie maîtrise la technologie qui nous est offerte en pâture et à quel point elle assimile de plus en plus efficacement la culture cinématographique. Mais est ce que cela suffit ? Il est clair que ce nouveau Resident Evil ne dépasse pas ses références. Il n'en crée pas de nouvelles. A vrai dire, ce jeu sublime le passif du jeu vidéo, mais ne regarde aucunement vers l'avenir. Avec des jeux comme Ico, Shenmue ou Silent hill 2, on a une petite idée de ce qui pourrait être la vraie tendance à suivre pour que le jeu se renouvelle considérablement. Il sont la preuve d'une volonté marquée de proposer de l'affect, des personnages et des sentiments propres à toucher durablement le joueur. Si de tels jeux existent déjà -certains mêmes ne sont pas tout jeunes comme Grim Fandango ou Another World- ils ne sont qu'une poignée au sein d'un parc de plus en plus marketé et concurrentiel. Et surtout, ils ne sont que les prémisses d'œuvres futures, comme Shadow of the Colossus, le successeur d'Ico. Peu bavard en terme de character development, Shadow... s'annonce cependant porteur d'une ambiance onirique symbolique et rare.

Le jeu vidéo, ce média plus puissant que le cinéma
Rappelons que le jeu vidéo est potentiellement plus puissant que le cinéma en terme d'emprise audiovisuelle. S'il bénéficie aussi de l'image et du son, il trouve son identité dans cette interactivité qui demeure sa véritable valeur ajoutée. RE4, qui fait facilement partie du top de la production actuelle, est un jeu emblématique des hésitations concernant la "tentation artistique". Trop engoncé dans des références cinématographiques qui le pénalisent autant qu'ils le subliment, il est le point culminant de trente années de jeux vidéo, avec ce que cela implique d'archaïsme. Il ne s'agit pas tant d'écrire ici un manifeste pour la reconnaissance commune et académique du jeu vidéo en tant qu'art que de rappeler le potentiel créatif et artistique faramineux qui lui est propre. Cela dit, je vous souhaite un excellent shoot et un joyeux Léon !
Sylvain Thuret


- Le test de Gamespot par Greg Kasavin :

- The Crying game par Chris Remo :

- Massacre à la tronçonneuse, une expérience américaine du chaos, par Jean-Baptiste Thoret, chez Dreamland.

jeudi, septembre 08, 2005

Movie review : Broken Flowers

Broken Flowers
Jim Jarmusch, 2005

Its been seven years since Jim Jarmusch delivered an original movie, Ghost Dog. His last effort, Coffee and cigarettes was more of a combination of old and new black and white sketches. Awarded at the last Cannes film festival, Broken Flowers is a re-tale of the Don Juan myth, mixed with Charles Dickenses Scrooge. Much like Dead man and Ghost dog's fashion, Jim Jarmusch takes us on a man's journey to find his own self. Down in his fifties dump, the main protagonist, played by Bill Murray (who had a cameo part in Coffee...), is some kind of an aged womanizer bachelor. Left alone by his latest girlfriend Sherry, Don Johnston (with a T, a name which is a double reference to Don Juan and Don Johnson's "Tell it like it is" image) receives an unsigned letter that says hes an unwanted father. Realising his life is more than dull and lonely, he goes after the woman he left pregnant twenty years ago. Along the way, he's helped by his Sganarelle's turned black, funny and loving neighbor Winston.

Henceforth, Broken Flowers enters the genre of the Road movie. But its not about the old west formula this time. Each encounter with a former girlfriend gives the frame to a kind of sketch, an approach reminiscent of Jarmusch past works such as Night on earth or Coffee and cigarettes. And we have two of these women who still carry the rags of a long lost era, the sixties, where everyone was told that sexual freedom was the next big thing. So, in a very subtle way, the movie deals very much with the leftovers and inheritance of the last decades, concerning sexual and companionship freedom. One of Don's dead former lover, Michelle, has an "To my sister and daughter" engravement on her tomb, indicating that she had no children or man at the time she died, even maybe because of Don's ways.

As a true romantic but undecided, desillusioned and getting old character, Bill Murray's Don could be Bob's cousin, from Sofia Coppola's Lost in translation. In fact Broken Flowers is pretty much a new chapter of the all around artistic recognition of Bill Murray's acting superpowers. Coming from the Saturday Night Live's nest, he took movie parts in a lot of popular comedies, such as Meatballs or Ghostbusters 1&2 in the eighties. But its only his 2003 performance as an has-been actor in Lost in translation that got him a late and guilty recognition. Since, its been a following of great dramatic, bittersweet performances, in Wes Anderson's Life aquatic, Jarmusch's Coffee and cigarettes and now Broken Flowers. And though the film is fine, along with a subtle message and filled with subtle humor, it doesnt match the artistry put in the forecited movies. To me, the Cannes film festival award acts as a guilty one. Because the way its done, acted, or its insightfulness, isnt unforgettable.

I dont especially like happy, "the viewer is an idiot" endings. But i felt quite robbed when the ending credits rolled. To me, the movie lacks some sense of closure, as the audience is left wondering "Ok, but what ?", "Whats going to happen now ?", "What was the purpose of the journey ?". In Don Juan, the character is cruel and dies of an horrible, instant death. Here, Don is more of a true but undecided romantic, in love with the woman concept. His sentence is loneliness. But even that is counterbalanced by the fact that Sherry, his young girlfriend, is said to come back in his life. In the end, Broken Flowers is quite a good bittersweet drama, quite insightful, but i still wonder on what basis the movie got this award.

Sylvain Thuret

mercredi, septembre 07, 2005

Vin Diesel et la génération des Gamers

"Dude, you have a bazooka. Stop thinking
Prague Police and start thinking Playstation. Blow shit up !"
Xander Cage, xXx, Rob Cohen, 2002.

Cette réplique, vociférée en plein cœur de l'action par Xander Cage (Vin Diesel, ou l'acteur au nom encore plus improbable que celui de ses personnages) symbolise la collusion frontale d'une économie cinématographique impérialiste et un discours de défense de la culture vidéo ludique, dont xXx est l'enfant prodigue. Si le présent blockbuster se soucie de revêtir une telle posture, ce n'est bien sûr pas anodin. Depuis plusieurs décennies, le public cible de ce genre de produit demeure les kids in America, ceux des drive-in dans les sixties (les productions Roger Corman), ou les Goonies des eigties (l'écurie Spielberg). L'appareil marketing chargé de vendre ces films a su petit à petit s'imposer en amont de la production, avec un souci constant de "coller" aux pratiques versatiles des 15-25 ans. Dans le cas de xXx, on assiste principalement à la modernisation de la figure de l'agent secret de papa (son nom est Bond...) afin de la connecter à la génération Playstation.

A ce titre, le tagline de xXx, "A New breed of secret agent" est on ne peut plus éloquent : "Une nouvelle race d'agent secret" donc, pour une nouvelle génération de consommateurs joueurs. Ces dernières années, Hollywood a bien compris quel était l'intérêt de développer des films au contenu facilement adaptable en tableaux et missions de jeu. Fait étrange, l'adaptation vidéoludique par Sony Pictures de xXx et de sa suite (judicieusement nommée The next level) ne s'est pas faite sur la Playstation citée dans le film, ni sur aucune console next gen, mais sur consoles portables low tech. Vin Diesel, dont le personnage de xXx déclare que le jeu est la seule contre culture d'une jeunesse diabolisée par des médias conservateurs, s'est rattrapé en participant activement à l'adaptation de son film suivant, The Chronicles of riddick sur plateforme Xbox et PC. Le film, bien que doté d'un budget de 100 millions de dollars, a fait un four au box office. Par contre, son adaptation, venue de nulle part, a été une énorme surprise sur la plateforme de Microsoft.

Cette tendance, qui se confirme actuellement avec le lancement simultané de produits sous licence Fantastic Four, Batman Begins ou encore The Incredibles, voit le film comme un produit d'appel de son adaptation vidéoludique. Le jeu ne serait donc plus seulement un simple produit dérivé dans la chaîne marketing, mais bien le média phare vers lequel il faut amener le consommateur. En effet, l'industrie du jeu vidéo ramasse depuis environ cinq ans plus de dividendes que celle du cinéma. Et si les chiffres de vente faramineux de certains jeux récents, comme Halo 2, a impressionné les exec d'Hollywood, le rapprochement entre les deux industries s'accélère à grand pas. L'adaptation de films commence à peine à donner des produits acceptables. Mais l'adaptation de jeux au cinéma est en pleine Cormanisation : les projets se font à la chaine, avec un budget de série B (B comme Boll par exemple) et une ambition esthétique proche de zéro. La prochaine étape consiste donc à systématiser la démarche, dans un sens comme dans l'autre, mais avec un souci de qualité accru.
Sylvain Thuret

mardi, septembre 06, 2005

La Nouvelle Orléans Vs George Romero

Cinéma et société
Le travail du critique Jean Baptiste Thoret repose en grande partie sur la thèse qu'un petit film amateur devenu célèbre, celui d'Abraham Zapruder ayant filmé l'assassinat de JFK, a devancé la représentation de la violence dans le cinéma Américain. Il avance, analyses et preuves cinématographiques à l'appui, que ce document allait influencer toute la décennie à venir. Une décennie que Peter Biskind nomme aujourd'hui le "Nouvel Hollywood".

A hard rain is gonna fall
Bien qu'oeuvrant à l'écart des grands studios, George Romero a fait parti de cette génération de réalisateurs surdoués bien décidés à mettre les pendules à l'heure d'une Amérique contestataire. Bien que sanctifiée sur le tard, son oeuvre se retrouve toujours qualifiée par ses opposants d'excessive, de peu ragoutante, voire d'anarchiste. A l'inverse de "l'effet JFK", les événements dramatiques de cette dernière semaine, dans le sud des Etat-Unis, portent un nouvel éclairage sur une vision cinématographique emprunte des dysfonctionnements politiques et sociaux tenaillant la patrie de l'Oncle Sam. Il faut voir ces images, issues des journaux télévisés US, où la population noire de l'agglomération Louisianaise, en pleine détresse, pille des supermarchés ou se retrouve acculée sur les toits de leurs maisons. Il faut entendre la plainte des victimes civiles, du maire de la Nouvelle Orléans Ray Nagin ou du rappeur Kanye West, déclarer aux médias avoir été oubliés du gouvernement. Ces images et ces discours valident désormais l'approche fictionnelle d'un cinéaste des plus engagés, qui depuis trente ans, avait échaffaudé une vision excessive, par le biais du fantastique et de l'horreur, de "l'Amérique d'en bas". Dans son dernier opus de la série des "Morts vivants", Land of the dead, ses zombies, métaphore des rejetés, des pauvres, des minorités en esclavage, se rebellent contre leur condition. Abusés un tant par les paillettes d'un feu d'artifice à résonance toute nationale, on les voit se jeter tels des vautours sur d'autres condamnés. Menés par un leader pompiste noir, on les voit traverser le fleuve qui sépare leur territoire périphérique de la ville des nantis. Et plutôt que de les annihiler jusqu'au dernier, la figure modérée du "héros", Riley (interprété par Simon Baker, déjà vu au sein d'une série progressiste, The Guardian, diffusée l'année dernière sur TF1), décide de les laisser en paix, avec cette phrase tonitruante de sens : "Ils ne cherchent qu'un territoire". Si cette fois le territoire invoqué, qui répond à celui du titre, est bien le pays Américain dans son ensemble, le controle de la nation était déjà l'enjeu métaphorique de ses précédents films, réduite à une base militaire dans Day of the dead et surtout, à un supermarché dans son prédecesseur, Dawn of the dead.

Il vaut mieux prévenir...
Dans une version antérieure du scénario de Land..., les zombies étaient envisagés comme une population homeless, vivant au coeur d'une société qui ne les voyait pas et ne se doutait même pas de leur présence à leur cotés. A l'occasion d'une interview accordée au quotidien Libération au sujet de la tempête et du retard de l'action fédérale, un professeur d'études afro-américaines, Mark Naison, dit ceci : "Le pays connait une telle ségrégation que les riches et la classe moyenne n'ont aucun contact avec les pauvres. Ils ne les voient pas." C'est donc tout le film qui revêt aujourd'hui, moins d'un mois après sa sortie française, une signification, une force politique redoublée, à l'acuité folle. Et cette fois, c'est la vision fictionnelle d'un cinéaste en prise avec son pays qui a devancé l'Histoire.

Pour ou contre culture
Un ami journaliste me demandait l'autre jour, au sujet de Land of the dead, quel était l'intérêt de passer par l'horreur et la gaudriole pour véhiculer de tels messages sociaux. Pourquoi ne pas faire un film "sérieux" véhiculant un message "sérieux" ? Sur le moment, j'ai du lui répondre qu'on ne faisait pas une bonne oeuvre avec de bonnes intentions. Le fait est qu'il existe une tradition culturelle toute Américaine, basée sur les supports triviaux que sont la télévision, les comics, la musique populaire et aujourd'hui les jeux vidéo. La force de Romero et de tout un pan de la culture US moderne, de Spielberg à Tim Burton en passant par les frères Coen et autre Joe Dante, c'est de puiser dans cette pop culture bouillonnante, héritée des années 50, afin de proposer, au filtre d'un détour fictionnel, un regard en prise directe sur l'Amérique contemporaine. Et le détour fictionnel des événements, remettant en cause l'intervention tardive de G.W. Bush, existe déjà. Il se nomme Land of the Dead et a été réalisé en amont de la catastrophe.

Sylvain Thuret & Alexandre Thomassin (illustration)


  • Jean-Baptiste Thoret est l'auteur de l'essai 26 secondes : l'Amérique éclaboussée, paru chez Rouge Profond.
  • Peter Biskind est l'auteur de l'essai Le Nouvel Hollywood (Easy Riders, Raging bulls), paru au Cherche midi.
  • Ray Nagin, maire de la Nouvelle Orléans, s'est exprimé le 2 septembre, avec véhémence et émotion, contre l'intervention tardive du gouvernement Bush. Interview accordée à Garland Robinettes, correspondant pour la radio locale WWL-AM.
  • Kanye West s'est exprimé le 2 septembre, à l'occasion d'un show caritatif sur NBC. Il a déclaré, entre autres : "George Bush n'en a rien à faire de la population noire". Lors de la même soirée, Aaron Neville a choisi d'interpréter New Orleans 1927, écrite par Randy Newman, au refrain tout aussi polémique : "They're trying to wash us away, they're trying to wash us away" (source yahoo.com).
  • "Pour George Bush, les pauvres n'existent pas", interview de Mark Naison, professeur d'études afro-américaines à l'université Fordham de New York, par Annette Levy-Willard, Libération, 5 septembre.